Ein Relief, das sich in der Gypsotheca oben an der linken Wand befindet, zeigt zwei junge Körper, die in der Luft schweben. Um sie herum herrscht absolute Leere. Nur breite, flatternde Bänder umrahmen die Gesichter und bilden einen großen Kreis hinter ihnen. Von beiden Seiten jubeln zwei Gruppen, junge Männer und Frauen, der Erhöhung der Bewegung der Söhne des Alkinoos, des Königs der Phäaken, zu. Zuschauer bilden den Rahmen für die Szene, die vor einem unendlichen neutralen Hintergrund stattfindet. Wie viel Leichtigkeit in diesem Schwung. Die beiden Jungen, auf den Zehenspitzen, stürzen sich in eine Reihe von Hebungen und fröhlichen Schritten und stützen sich auf ihre Beine, um die Aufmerksamkeit der Zuschauer zu erregen, insbesondere des Helden aller Kriege: Odysseus. Alkinoos möchte, dass die Geschicklichkeit der beiden jungen Söhne bewundert wird und dass ein Urteil über ihren Tanz gefällt wird.
Canova möchte der Handlung des Tanzes einen Wert verleihen, die durch diese Reliefdarstellung als eine Kunst par excellence gekrönt wird, durch die man seine Sensibilität, seine Gefühle und die tiefe Freude, sich selbst und anderen zu offenbaren, ausdrücken kann. Die Inspiration kommt von der Musik, die Bewegungen folgen einem inneren Rhythmus und jede von ihnen kann eine intensive Vibration hervorrufen.
Am Boden liegt ein Ball, der Ausdruck des griechischen Mythos von der mathematischen Schönheit des Universums und, als Kugel, die Darstellung der Zeitlichkeit der Handlung. Wie Homer, der es verstand, durch die Beschreibung von Figuren, Bewegungen und Emotionen zu erzählen, so stellt Canova im rechten Gruppen Alkinoos und die Königin Arete dar, die Odysseus und die schöne Nausikaa empfangen.
Der Tanz kann ein Ausdruck sein, der mit den Traditionen der primitiven Völker verbunden ist, oder zu einem einfachen Zeitvertreib werden; er geht immer mit Musik und Gesang einher. In jedem Fall war sich Canova bewusst, dass er behaupten konnte, dass der Tanz eine Sprache darstellt, eine Art zu kommunizieren, dank seiner ritualistischen, feierlichen, festlichen Ausdruckskraft. Dem Thema des Tanzes neigt sich also die skulpturale Kultur des Canova zu, wie man auch im zweiten Relief, das 1797 entstand, erkennen kann: Die Grazien und Venus tanzen vor Mars. Auch hier durchdringen sich Tanz und Musik in stabiler Balance und schaffen eine idyllische Atmosphäre, in der die einzelnen Figuren in ihrem eigenen Licht leben.
Die drei Tänzerinnen
Zwischen 1806 und 1812 konzentrierte sich Canova auf drei plastische Erfindungen, die sich auf das Thema des Tanzes beziehen, studierte deren Entwicklung in Tempera und, zumindest für einige, in Monochromen. Der Bildhauer stellte gewöhnlich freudige Ausdrücke und Personifikationen ruhiger Gemütszustände dar; ihn faszinierten die Leichtigkeit und Anmut, die durch Bewegung ausgedrückt werden. So produzierte er Zeichnungen, Tempera und Monochrome, wahre Projekte, die für die Realisierungen in Gips und später in Marmor bestimmt waren, ein Material, das durch die Transparenz und Leichtigkeit der Gesten und Bewegungen seiner Darstellungen ‘zu atmen’ schien.
In den drei Tänzerinnen: Tänzerin mit den Händen in der Taille, Tänzerin mit dem Finger am Kinn und Tänzerin mit den Zimbeln, bewies Canova sein großes Geschick, das Publikum zu fesseln und zu beeindrucken, indem er sich auf viele klassische Figuren bezog, darunter die Tänzerin aus der Villa Adriana.
Quatremère de Quincy teilte Canova begeistert den außergewöhnlichen Erfolg mit, den die Tänzerin mit den Händen in der Taille, die für die Kaiserin Joséphine de Beauharnais, die seit 1802 den Wunsch hegte, eine Statue von Canova zu besitzen, geschaffen wurde, beim Salon in Paris Anfang 1813 erzielt hatte, und tröstete ihn über den lauwarmen Empfang, der hingegen der Tersicore, der Lieblingsstatue des berühmten Bildhauers, zuteil wurde: „Sie hatte einen überwältigenden Empfang: In den ersten Tagen war eine Menge da, die Sie nicht glauben können […]. Die Tänzerin macht alle verrückt.“
Ein äußerst positives Urteil, das Quatremère de Quincy fällte, für den die Tänzerinnen „poetische Abschweifungen“ waren, die sich stark von den ‘Meisterwerken’ der klassischen Kunst unterschieden, die er bevorzugte, weil sie ausdrucksvoller und gefestigter waren und weil sie den venetianischen Bildhauer in Wettbewerb mit der Antike brachten.
In diesen Skulpturen manifestiert Canova ein vorrangiges Interesse und eine Leidenschaft für den Tanz und das Theater, gerade zu einem Zeitpunkt, als diese beiden künstlerischen Ausdrucksformen eine radikale Transformation durchliefen, die sie zu einer sorgfältigen Analyse der Klassik orientierte und sich in der figürlichen Kunst in einer erneuerten und gestärkten Weise niederschlug. Sie bestätigen auch einen besonderen Gemütszustand des Bildhauers, der in einer komplexen historischen Situation lebt, die durch eine besonders schwierige persönliche Lage verschärft wird. Es waren nicht die spezifischen Ikonografien, die ihn interessierten, sondern die Neigung zu einer einfachen und gleichzeitig vollständigen Idee, die auch weit entfernt von literarischen Mustern war. Die drei Tänzerinnen agieren allein, sie bewegen sich einzeln, sie sind nicht anderen Figuren zugeordnet, sie sind unabhängig.
