Judith und Holofernes

Die Geschichte

Die Geschichte von Judith und Holofernes hat seit jeher großes Interesse und Faszination geweckt, insbesondere unter Künstlern jeder Epoche und Strömung, die dieser einzigartigen und bewegenden Erzählung ihre eigene Interpretation gegeben haben. Die Geschichte wird im Buch Judith der christlichen Bibel, nicht der jüdischen, erzählt und beginnt mit dem militärischen Porträt des Königs der Assyrer. Letzterer strebte die Eroberung der Mittelmeerländer (vom Libanon bis zum unteren Ägypten) an und, nachdem er von den Völkern abgelehnt wurde, wollte er sich rächen, indem er eine Armee unter dem Kommando von Holofernes, dem General der Armee, entsandte. Holofernes zeigte sich von Anfang an hochmütig und gotteslästerlich und hier tritt zum ersten Mal Judith, eine reiche Witwe aus Israel, auf:

„Ich will ein Unternehmen vollbringen, das von Generation zu Generation den Kindern unseres Volkes überliefert wird.“ (8, 32-34).

Judith verließ die Stadt und begab sich zum Lager der Babylonier, und Holofernes, von ihrer Schönheit verzaubert, bereitete ihr ein privates Festmahl, trank zu viel und schlief ein. Da ergriff Judith das Schwert und schlug ihm mit aller Kraft zweimal in den Hals, sodass er den Kopf verlor. Sie steckte den Kopf in die Tasche, floh ungehindert aus dem Militärlager mit ihrer Dienerin und kam in die Stadt, um ihr Trophy zu zeigen; anschließend wurde sie ausgestellt, was das babylonische Volk zur Flucht zwang.

Die Interpretation der Künstler

Aus dieser Erzählung ergibt sich die Ikonographie der berühmtesten Werke der Kunstgeschichte: von Caravaggio bis Artemisia Gentileschi, von Michelangelo bis Klimt. Die erste Darstellung stammt von Donatello, etwa 1455, zwei Jahre nach dem von der Kirche geführten türkisch-ottomanischen Krieg zur Bekämpfung der “Ungläubigen” Türken. Die Ikonographie hat eine klare Anspielung auf die Niederlage des türkischen Imperiums durch die Kirche, so wie Judith Holofernes tötete und die Leiden beendete. In Donatellos Werk kann man den nachdenklichen Blick von Judith beobachten, fast so, als ob die Gewalt das Ergebnis eines tragischen Schicksals ist, das über dem einfachen Willen der Einzelnen steht.

Erst im 17. Jahrhundert werden seine Darstellungen sogar grausam, und auf den Leinwänden erscheint sie mit dem Akt der Enthauptung. Caravaggio war der erste, der die Aufmerksamkeit auf die Hauptszene auf blutige und brutale Weise lenkte, indem er sie im Moment der grausamen Hinrichtung festhielt. Als Caravaggio an dieser Leinwand arbeitete, die heute im Palazzo Barberini bewundert werden kann, befinden wir uns mitten in der Gegenreformation: die christliche Kirche versucht, ihre Prioritäten zu ändern und möchte sich den Gläubigen wieder annähern, um die Bedrohung durch die Protestanten zu bekämpfen. Darüber hinaus nutzte Caravaggio die Ikonographie von Holofernes, um sich selbst darzustellen als Zeugnis seiner ständigen Angst vor dem Tod. Tatsächlich war allen bekannt, dass Caravaggio ein bewegtes und gefährliches Leben führte, Bordelle besuchte, trank und Schlägereien verursachte. Es war eine wahre Besessenheit, so sehr, dass er sich mehrmals in die Rolle des toten oder getöteten Charakters kleidete.

Auch im Fall der Künstlerin Artemisia Gentileschi finden wir eine ähnliche Situation: Nachdem sie einen Übergriff durch Agostino Tassi, einen bekannten Künstler der römischen Szene und Freund ihres Vaters Orazio, erlitten hatte, hegte sie Gefühle von Wut und Frustration, die in ihr Werk Judith und Holofernes einflossen, das im Museo di Capodimonte in Neapel ausgestellt ist, um die von Zorn und Leidenschaft durchdrungene Darstellung der Protagonistin zu unterstützen.

Bis zu diesem Zeitpunkt war die Geschichte entweder im vorhergehenden Moment oder, häufiger, nach der Enthauptung dargestellt worden, die die wahre Niederlage des Mächtigen besiegelt. Jede Interpretation kombiniert den extremen körperlichen Aufwand mit der emotionalen Erschütterung, der Judith ausgesetzt war, die durch Ausdrücke von Stolz und Würde hervorgehoben wird, wie auch aus den Werken von Klimt ersichtlich, einem bekannten Verfechter der weiblichen Figur. Jeder Künstler behandelte das Thema mit extremem Zynismus: Judith repräsentiert die Allegorie des patriotischen Kampfes zur Verteidigung ihres Territoriums und ist in der Lage, die Stadt vor dem politischen und religiösen Invasor zu schützen. Einige lesen in der Geschichte eine Art von Rache der Frauen gegen die Männer, hier repräsentiert durch Holofernes: übergriffig, lasterhaft und respektlos gegenüber Letzteren.

 

Darüber hinaus variiert je nach Künstler die Waffe, die Judith führt, vom großen Messer (Mantegna) über das kurze Schwert (Donatello), das Schwert (Caravaggio) bis hin zum großen Schwert (Artemisia Gentileschi) und dem weniger realistischen langen Schwert; in den Werken von Giambattista Piazzetta, in der Galleria Corsini und Vincenzo Catena, der Fondazione Querini Stampalia, sehen wir deutlich das große Schwert. Judith wird mit der Gerechtigkeit identifiziert (das lange Schwert war die typische Waffe des Henkers bei Hinrichtungen); gleichzeitig ist Judith Symbol der Macht des Herrn, des Sieges des Schwachen über den Starken, analog zum Kapitel von David gegen Goliath. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wird Judith zu einem Symbol des Dekadentismus, ein Symbol der dominierenden Frau, der der Mann unterliegt.

Sicherlich hat die Figur der Judith im Laufe der Geschichte verschiedene künstlerische Interpretationen in Bezug auf die historische, religiöse und persönliche Umstände, die die Künstler selbst betrafen, begleitet: Sie war die zentrale Figur von Aufständen, Machtergreifungen und politischen sowie religiösen Invasionen und wurde zur allegorischen Figur par excellence.