Judith y Holofernes

La Historia

La historia de Judith y Holofernes siempre ha despertado mucho fascino e interés, especialmente entre los artistas de todas las épocas y corrientes, quienes han dado su propia interpretación a esta singular y conmovedora historia. La historia se narra en el Libro de Judith en la Biblia cristiana, no en la hebrea, y se abre con el retrato militar del Rey de los Asirios. Este último aspiraba a la conquista de las tierras mediterráneas (desde Líbano hasta el bajo Egipto) y, tras recibir el rechazo de los pueblos a unirse a él, quiso vengarse enviando un ejército capitaneado por Holofernes, general del ejército. Holofernes se mostró desde el principio orgulloso y blasfemo y aquí aparece por primera vez Judith, rica viuda descendiente de Israel:

“quiero llevar a cabo una hazaña que pasará de generación en generación a los hijos de nuestro pueblo.” (8, 32-34).

Judith salió de la ciudad y se dirigió hacia el campamento de los babilonios y Holofernes, cautivado por su belleza, le preparó un banquete privado, se embriagó y se quedó dormido. Fue entonces cuando Judith tomó la espada y con toda su fuerza le golpeó dos veces el cuello, decapitándolo. Guardando la cabeza en la alforja, huyó libremente del campo militar con la sirvienta y llegó a la ciudad mostrando su trofeo; posteriormente, fue expuesta, obligando a huir al pueblo babilonio.

La interpretación de los artistas

De este relato deriva la iconografía de las obras más célebres de la historia del arte: desde Caravaggio hasta Artemisia Gentileschi, desde Michelangelo hasta Klimt. Su primera representación data de Donatello, alrededor de 1455, dos años después de la guerra turco-otomana llevada a cabo por la Iglesia para derrotar a los “infieles” turcos. La iconografía tiene una clara alusión a la derrota del imperio turco a manos de la Iglesia, como Judith mató a Holofernes y puso fin a los sufrimientos. En la obra de Donatello se puede observar la mirada pensativa de Judith, casi como si la violencia fuera fruto de un destino trágico que está por encima de la simple voluntad de los individuos.

Solo en el siglo XVII sus representaciones se vuelven incluso feroces y en las telas aparece con el acto de la decapitación. Caravaggio fue el primero en centrar la atención en la escena principal de manera cruda y sangrienta, capturándola en el mismo momento de la feroz ejecución. Cuando Caravaggio trabaja en esta tela, que hoy se puede admirar en Palazzo Barberini, estamos en pleno auge de la Contrarreforma: la iglesia cristiana está tratando de modificar sus prioridades y quiere acercarse a los fieles para derrotar la amenaza de los protestantes. No solo eso, Caravaggio utilizó la iconografía de Holofernes para autorretratarse como testimonio de su constante miedo a la muerte. De hecho, era conocido por todos que Caravaggio llevaba una vida agitada y peligrosa, frecuentando burdeles, embriagándose y causando peleas. Era una verdadera fijación, tanto es así que en más de una ocasión se viste con los ropajes del personaje muerto o asesinado.

También en el caso de la artista Artemisia Gentileschi encontramos una situación similar: después de haber sufrido una violación a manos de Agostino Tassi, conocido artista del panorama romano y amigo de su padre Orazio, alimentaba sentimientos de rabia y frustración que se canalizaron en su obra Judith y Holofernes, expuesta en el Museo di Capodimonte en Nápoles, en apoyo de la representación cargada de ira y pasión de la protagonista.

Hasta este momento, la historia había sido representada o en el momento anterior o, más frecuentemente, después de la decapitación, que marca la verdadera derrota del poderoso. Cada interpretación combina el extremo esfuerzo físico con la perturbación emocional a la que Judith ha sido sometida, que se exalta a través de expresiones de orgullo y dignidad, como se puede deducir también de las obras de Klimt, conocido exaltador de la figura femenina. Cada artista trató el tema con extremo cinismo: Judith representa la alegoría de la lucha patriótica en defensa de su territorio y es capaz de proteger la ciudad del invasor político y religioso. Algunos leen en la historia una especie de venganza de las mujeres contra los hombres, aquí representados por Holofernes: prepotentes, viciosos e irrespetuosos hacia estas últimas.

 

Además, dependiendo de los artistas, el arma empuñada por Judith varía desde el cuchillo (Mantegna) hasta la corta espada (Donatello), desde la espada (Caravaggio) hasta el gran espada (Artemisia Gentileschi) y la menos realista espada larga; en las obras de Giambattista Piazzetta, en la Galleria Corsini, y Vincenzo Catena, de la Fondazione Querini Stampalia, vemos claramente la gran espada. Judith es identificada con la Justicia (la espada larga era el arma típica del verdugo en las ejecuciones capitales); al mismo tiempo, Judith es símbolo del poder del Señor, de la victoria del débil contra el fuerte, en analogía con el episodio de David contra Goliat. A principios del siglo XX, Judith se convierte en un icono del decadentismo, símbolo de la mujer dominante a la que el hombre se somete.

Sin duda, la figura de Judith ha acompañado, a lo largo de la historia, diversas interpretaciones artísticas en referencia al período histórico, religioso y a las vivencias personales que han involucrado a los propios artistas: ha sido el personaje clave de revueltas, tomas de poder e invasiones políticas y religiosas, convirtiéndose en figura alegórica por antonomasia.