Judith et Holopherne

L’Histoire

L’histoire de Judith et Holopherne a toujours suscité beaucoup de fascination et d’intérêt, surtout parmi les artistes de toutes les époques et courants, qui ont donné leur propre interprétation à cette singulière et poignante histoire. L’histoire est racontée dans le Livre de Judith dans la Bible chrétienne, non hébraïque, et s’ouvre avec le portrait militaire du Roi des Assyriens. Ce dernier aspirait à la conquête des terres méditerranéennes (du Liban au bas Égypte) et, ayant reçu le refus des peuples de se joindre à lui, voulut se venger en envoyant une armée dirigée par Holopherne, général de l’armée. Holopherne se montra dès le départ orgueilleux et blasphématoire et c’est ici que apparaît pour la première fois Judith, riche veuve descendante d’Israël :

“Je veux accomplir une entreprise qui passera de génération en génération aux enfants de notre peuple.” (8, 32-34).

Judith sortit de la ville et se dirigea vers le camp des Babyloniens et Holopherne, envoûté par sa beauté, lui prépara un banquet privé, s’enivra et s’endormit. C’est alors que Judith prit l’épée et, de toutes ses forces, lui frappa deux fois le cou, lui coupant la tête. Ayant rangé la tête dans le sac, elle s’enfuit librement du camp militaire avec sa servante et arriva en ville en montrant son trophée ; par la suite, elle fut exposée, forçant le peuple babylonien à fuir.

L’interprétation des artistes

De ce récit découle l’iconographie des œuvres les plus célèbres de l’histoire de l’art : de Caravage à Artemisia Gentileschi, de Michel-Ange à Klimt. Sa première représentation remonte à Donatello, vers 1455, deux ans après la guerre turco-ottomane menée par l’Église pour vaincre les “infidèles” Turcs. L’iconographie a une claire allusion à la défaite de l’empire Turc par la main de l’Église, tout comme Judith tua Holopherne et mit fin aux souffrances. Dans l’œuvre de Donatello, on peut observer le regard pensif de Judith, presque comme si la violence était le fruit d’un destin tragique qui dépasse la simple volonté des individus.

Ce n’est qu’au XVIIe siècle que ses représentations deviennent même féroces et sur les toiles apparaît l’acte de décapitation. Caravage fut le premier à concentrer l’attention sur la scène principale de manière cruelle et sanguinaire, la saisissant au moment même de l’exécution féroce. Lorsque Caravage travaille sur cette toile, aujourd’hui admirée au Palazzo Barberini, nous sommes en pleine Contre-Réforme : l’Église chrétienne cherche à modifier ses priorités et veut se rapprocher des fidèles pour vaincre la menace des Protestants. De plus, Caravage utilisa l’iconographie de Holopherne pour se représenter en témoignage de sa peur constante de la mort. En effet, il était connu de tous que Caravage menait une vie mouvementée et dangereuse, fréquentant des bordels, s’enivrant et provoquant des rixes. C’était une véritable fixation, tant et si bien qu’à plusieurs reprises, il revêt les habits du personnage mort ou tué.

Dans le cas de l’artiste Artemisia Gentileschi, nous retrouvons une situation similaire : après avoir subi un viol de la part de Agostino Tassi, un artiste connu de la scène romaine et ami de son père Orazio, elle nourrissait des sentiments de colère et de frustration qui se sont déversés dans son œuvre Judith et Holopherne, exposée au Musée de Capodimonte à Naples, en soutien à la représentation chargée de colère et de passion de la protagoniste.

Jusqu’à présent, l’histoire avait été représentée soit au moment précédent, soit, plus fréquemment, après la décapitation, qui marque la véritable défaite du puissant. Chaque interprétation combine l’extrême effort physique avec le trouble émotionnel auquel Giuditta a été soumise, qui sont exaltés à travers des expressions de fierté et de fierté, comme le montrent également les œuvres de Klimt, célèbre exaltateur de la figure féminine. Chaque artiste a traité le thème avec un extrême cynisme : Giuditta représente l’allégorie de la lutte patriotique en défense de son territoire et est capable de protéger la ville de l’envahisseur politique et religieux. Certains lisent dans l’histoire une sorte de vengeance des femmes contre les hommes, ici représentés par Oloferne : arrogants, vicieux et irrespectueux envers ces dernières.

 

De plus, selon les artistes, l’arme brandie par Giuditta varie du couteau (Mantegna) à la cimeterre courte (Donatello), de l’épée (Caravaggio) jusqu’au grand sabre (Artemisia Gentileschi) et à l’épée longue moins réaliste ; dans les œuvres de Giambattista Piazzetta, à la Galleria Corsini, et Vincenzo Catena, de la Fondation Querini Stampalia, nous voyons clairement le grand sabre. Giuditta est identifiée avec la Justice (l’épée longue était l’arme typique du bourreau lors des exécutions capitales) ; en même temps, Giuditta est symbole de la puissance du Seigneur, de la victoire du faible contre le fort, en analogie avec l’épisode de David contre Goliath. Au début du XXe siècle, Giuditta devient une icône du décadentisme, symbole de la femme dominatrice à laquelle l’homme est soumis.

Sans aucun doute, la figure de Giuditta a accompagné, au cours de l’histoire, diverses interprétations artistiques en référence à la période historique, religieuse et aux événements personnels qui ont impliqué les artistes eux-mêmes : elle a été le personnage central de révoltes, de prises de pouvoir et d’invasions politiques et religieuses, devenant ainsi une figure allégorique par excellence.