Zwei Gespräche mit dem Künstler Alexey Morosov

Wir haben in einem Interview gelesen, dass Sie sich ein wenig als Erbe der hellenistischen Kultur betrachten. In Ihren Skulpturen beziehen Sie oft alte Mythen ein, die Sie dann neu interpretieren. Warum haben Sie diese Faszination für die antike Welt?

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Ich betrachte mich als Erbe der hellenistischen Zivilisation, vor allem weil ich an dem geografischen Ort geboren wurde, der die letzte Etappe von Alexanders dem Großen langer Eroberungs- und Expansionsreise nach Osten war. Dort hat der große Herrscher nicht nur latente Spuren hinterlassen, und in der Volkskultur – wo er als Eskander „mit den zwei Hörnern“ bezeichnet wird, aufgrund des Helms, den er trug – ist das Gefühl der Zugehörigkeit zu diesem alten Erbe nach wie vor verbreitet.

Auf einer Ebene, die mehr mit dem visuellen und künstlerischen Erbe verbunden ist, muss ich zugeben, dass mich die Überreste dieser antiken Kultur, die in Afghanistan (Badakhshan), Pakistan und Indien zutage traten, immer fasziniert haben. Ich erinnere mich, dass ich von der Entdeckung von Skulpturen aus Gandhara, wie dem Kopf des Prinzen Siddharta in der Sammlung von George Ortiz, erschüttert war, wo die Hand und die Technik, die Sprache, voll und ganz hellenisch sind, während wir anthropologisch ohne Zweifel vor einer orientalischen Statue stehen.

Ich bin ethnisch Russisch, habe also die Hellenität durch meine Geburt geerbt, die auch durch das Oströmische Reich und insbesondere durch die byzantinische visuelle Zivilisation zu uns gelangte. Ich finde es interessant und auf seine Weise auch ironisch, dass die große klassische Lehre seit den 1930er Jahren des 20. Jahrhunderts unter dem Gewicht der stalinistischen Ästhetik deformiert wurde, die großen Wert auf nationale, lokale, den sozialistischen Republiken eigene dekorative Motive legte.

Ich bin in Bischkek aufgewachsen, das früher Frunse hieß, die Hauptstadt Kirgisistans, umgeben von plastischen und architektonischen Beispielen klassischer Prägung, die jedoch mit Elementen der kirgisischen Tradition verfeinert und integriert sind. Es ist nicht absurd, zum Beispiel alle Teile, die die klassische Trabeation bilden, an der Spitze eines Gebäudes im Zentrum von Bischkek zu finden, die, während sie die griechische Komposition respektiert, mit Motiven der islamischen visuellen Welt geschmückt ist.

Es gibt ein Sprichwort in Russland: Die Geschichte neigt dazu, sich zu wiederholen, aber beim zweiten Mal wiederholt sie sich als Farce. Die Kommunisten, die wir als pseudo-hellenisch bezeichnen könnten, sind die zweite, farcenhafte Wiederholung nach der ersten von Alexander dem Großen, ganz im Einklang mit der volkstümlichen Definition! Und was wir heute sehen, könnten wir fast als einen postmodernen Neo-Hellenismus bezeichnen.

Was mich betrifft, betrachte ich mich als Hellenist und nicht als Hellenen; für mich ist die antike Welt nichts Externes, auf das man schauen oder zu dem man zurückkehren kann, sie ist meine Ursubstanz, die einzigartige und natürliche Dimension, aus der meine Kreationen stammen und die ich um mich herum als spontanen interpretativen Filter sehe, der jede meiner Wahrnehmungen beeinflusst und qualifiziert.

Neben der antiken Kultur gibt es andere künstlerische Modelle, aus denen Sie Inspiration schöpfen?

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Die gibt es sicherlich. Ich habe Carlo Scarpa immer sehr geliebt, den ich als Genie betrachte und der für mich ein authentischer Bezugspunkt ist. Ich bin auch Architekt, und meine öffentliche Kunst beinhaltet eine Gestaltung des Raumes sowie des Werkes selbst. Carlo Scarpa hat mir beigebracht, die Beziehung zwischen diesen beiden Aspekten zu managen, ebenso wie die russischen Avantgarden und die Konstruktivistenbewegung, die in meiner Vorstellung mit den späteren Ergebnissen des Dekonstruktivismus verbunden sind, der in Europa und Amerika reifte und hier durch die technologische Entwicklung gefördert wurde.

Last but not least bin ich ein großer Liebhaber des Films, ein echter Süchtiger, und ich betrachte ihn als eine mächtige und reiche Inspirationsquelle. Wenn ich an meine Zwanziger denke, kommen mir Regisseure wie Yasujirō Ozu oder Dziga Vertov in den Sinn, die ich auch heute noch endlos anschauen könnte, denn für mich ist das Kino vor allem Bild, eine optische und visuelle Dimension, in der die Handlung das Kompendium eines Wunders ist, das den Blick fängt, bevor die Aufmerksamkeit auf die Geschichte gelenkt wird. Das Gleiche würde ich für Lars von Trier oder Stanley Kubrick sagen; ihre Filme sind für mich Sequenzen von Bildern.

Ich habe wunderschöne Erinnerungen aus den 90er Jahren in Moskau, wo es ein Arthouse-Kino gab, das Filme in Originalsprache zeigte, immer leer, wo man mit einem symbolischen Ticket eintrat; es hieß Illusion und befand sich in einem der stalinistischen Wolkenkratzer. Dort habe ich zum ersten Mal „Citizen Kane“ von Orson Welles gesehen, unvergesslich, und wenn ich an diesen Ort zurückdenke, kommt mir spontan die Definition eines Film-Museums in den Sinn.

Was das Kino und Čyngyz Ajtmatov betrifft, kann ich unter den Filmen, die meine kreativen Wege am meisten beeinflusst haben, nicht „Der erste Lehrer“ von Andrej Končalovskij aus dem Jahr 1965 vergessen, inspiriert von einer Erzählung des großen kirgisischen Schriftstellers.

Wir haben bemerkt, dass die Berge für Sie die Verbindung zwischen Mensch und Natur darstellen, das gleiche Werk trägt den Titel Monte Ajtmatov. Können Sie uns mehr darüber erzählen?

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Wie jedem, der seine Bücher gelesen oder seine Interviews gesehen hat, klar ist, war die Natur für Ajtmatov sowohl eine Inspirationsquelle als auch ein Zufluchtsort. Viele der ersten Bolschewiki, darunter auch der Vater von Čyngyz Ajtmatov, wurden Opfer der stalinistischen Repressionen. Čyngyz wuchs daher zusammen mit seiner Großmutter väterlicherseits in einem Aiyl auf, also in einem abgelegenen Dorf in den Bergen, das konkret Şeker hieß und in der Region Talas lag; die Berge waren sein Asyl, seine erste familiäre und emotionale Heimat, dort verbrachte er seine Kindheit, sammelte seine ersten Erinnerungen und die Mutter Natur war das Sprungbrett, das ihn in den Olymp der Literatur katapultierte.

Wie entscheidend all dies für das Verständnis seiner Erzählungen ist, wird umso klarer, wenn man bedenkt, dass er Tierzucht studiert hatte, ein Fachmann, der im Kolchos für das Vieh zuständig war. Er war für eine administrative Rolle in einem landwirtschaftlichen Betrieb vorgesehen, aber stattdessen nutzte er das, was ihm am vertrautesten und nächsten war, die großen Gipfel und die natürliche Welt, um seine wahre Aspiration zu befreien. Es ist überflüssig zu erwähnen, dass die Berge auch mich inspiriert haben, um dieses Bild von Ajtmatov zu vermitteln.

Ajtmatov war einer der wichtigsten Intellektuellen seines Landes, und Sie haben für dieses Werk auch von den persönlichen Begegnungen mit ihm profitiert. Was ist Ihnen von diesen Gesprächen am meisten geblieben? Warum, glauben Sie, könnten sich Menschen, die Ajtmatov nicht kennen, ihm nähern?

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Ajtmatov ist der Genius Loci Kirgisistans. Ein internationaler Intellektueller in den 70er und 80er Jahren, Freund europäischer Schriftsteller, Botschafter unserer Welt im alten Europa. Ich bin in einem Gebäude aufgewachsen, das als Wohnhaus für Universitätsprofessoren diente, wo auch der große kirgisische Dichter Aaly Tokambaev, ein Freund von Ajtmatov, lebte.

Ich spielte oft mit dem Neffen von Tokambaev und hatte die Gelegenheit, Ajtmatov mindestens ein paar Mal bei ihm zu Hause zu treffen. Ich kann jedoch nicht vergessen, als – ich war etwa 12 Jahre alt – uns in der Schule gesagt wurde, dass der Schriftsteller uns zusammen mit dem britischen Kollegen für Spionagegeschichten, John Le Carré, besuchen würde. Ich konnte es kaum erwarten, in den Tagen zuvor dachte ich nur an dieses große Treffen, und wenn ich heute das Aussehen des englischen Schriftstellers vergessen habe, erinnere ich mich noch deutlich an Ajtmatov und den Eindruck seiner Person; es ist eine Erinnerung, die für den Rest meines Lebens lebendig bleiben wird.

Ich bin überzeugt, dass sich seine Literatur sehr gut in westliche Sprachen übersetzen lässt. Zunächst schrieb er auf Kirgisisch, seiner Muttersprache, die er erlernte und praktizierte, während er mit seiner Großmutter lebte, dann begann er, seine eigenen Texte ins Russische zu übersetzen, und schließlich kam er zu einem sehr ausgefeilten und strukturierten Russisch.

Die Sprache seiner frühen Werke ist sicherlich einfacher und besser für die Übersetzung in andere Kulturen geeignet. Ich denke auch, dass sein grundlegender Wert nicht stilistisch ist – wie bei Nabokov zum Beispiel – sondern im narrativen Aspekt, im Durchdrungen sein von einem humanistischen Pathos, das in der zeitgenössischen Literatur, die von Politik und politischer Korrektheit beeinflusst ist, zu verschwinden scheint. Er dachte nicht an solche Dinge, sondern konzentrierte sich auf die wesentlichen Fragen der Zivilisation und des Menschen, er machte das, was ich neolithische Literatur nenne.

Während Ihrer Karriere haben Sie in wichtigen Museen ausgestellt, in Italien auch im Nationalen Archäologischen Museum von Neapel. Wenn Sie ein Museum auf der Welt wählen müssten, in dem Sie gerne ausstellen würden, welches wäre das und warum?

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Im Nationalen Archäologischen Museum von Neapel auszustellen, war für mich die Verwirklichung eines Traums. Ich liebe die Stadt Neapel, ich habe sie kennengelernt und gelernt, sie zu verstehen, und ich betrachte das MAN als ihr wichtigstes Museum, wie Maradona für die Geschichte des neapolitanischen Fußballs!

Im Allgemeinen habe ich nicht das Ziel, meine Werke in Museen auszustellen; für mich hat der Ort, die Umgebung, mehr Bedeutung, ich denke gerne darüber nach, wie ich den Raum mit meiner Präsenz prägen kann.

Wenn wir von einer Ausstellung sprechen, die meiner Karriere als Künstler nützlich wäre, denke ich zunächst an das MOMA, aber wenn ich an meine kreativen Wünsche denke, wäre es außergewöhnlich, eine meiner kolossalen Statuen vor dem Kolosseum auszustellen, damit endlich verstanden wird, warum das Kolosseum Kolosseum heißt!